Eccoli di nuovo, Pearl & The Oysters, freschi della pubblicazione del loro quinto album, Planet Pearl, che è già riuscito a superare il notevole Coast To Coast dello scorso anno. Coppia francese dentro e fuori lo studio, musicisti pazzeschi, Juliette Pearl Davis (Juju) e Joachim Polack (Jojo) abbracciano con genuina sfacciataggine tutto un mood stellestrisciato che affonda a piene mani in una nostalgia intinta ’70-’80s, di adult-oriented rock, Beach Boys, easy listening e Yellow Magic Orchestra.
Quadretti che si infilano alla perfezione in questo gigante salto all’indietro di reel su reel per spazi liminali e luoghi desolati di qualche estate fa, non fosse che la materia maneggiata dai due, pur dietro a una profonda componente malinconica, nasconde un’immensa gioia da godere alla luce del sole. Con in testa, sempre, un pop sofisticato e di alta qualità. Ecco la nostra chiacchierata via mail.
Partiamo dalla domanda più scontata: com’è nata la band? C’è stato un momento in cui avete capito che eravate musicalmente fatti l’uno per l’altra?
Ci siamo conosciuti al liceo e abbiamo iniziato a fare musica insieme durante il college. È stato un processo graduale, un costante nutrirci reciprocamente di influenze musicali nei nostri anni formativi. Questo ci ha portato ad avere gusti estremamente simili, così oggi siamo molto allineati nella direzione estetica della band, anche se questa continua a evolversi nel tempo.
Qual era l’idea iniziale della band? Avete trovato subito la vostra identità?
All’inizio volevamo semplicemente divertirci e creare una sintesi di ciò che ci piaceva nel 2015-2016, quando abbiamo scritto il primo disco. Anche se eravamo relativamente inesperti come produttori, abbiamo avuto un buon riscontro immediato. Ancora oggi nel nostro primo album si percepisce quella voglia di non appartenere a nessuna scena specifica.
Probabilmente è accaduto perché abbiamo iniziato a scriverlo a Parigi in un periodo in cui sentivamo davvero di evolverci più o meno in una sorta di vuoto culturale (non ascoltavamo molto indie pop contemporaneo) e desideravamo disperatamente il tipo di energia della scena DIY che abbiamo poi trovato in Florida e nel sud-est americano. Inizialmente abbiamo trattato questo progetto principalmente come una ricreazione dagli standard di produzione che avevamo sperimentato nelle band precedenti in cui eravamo stati coinvolti, dove la nostra tendenza a volerci scatenare con bip e bloop era spesso considerata troppo sperimentale o semplicemente sciocca. Ovviamente il suono si è evoluto nel tempo, ma il primo album rimane una delle nostre cose preferite che abbiamo mai fatto.
Avete parlato spesso del vostro legame con gli Stati Uniti. Quali aspettative avevate prima di trasferirvi?
Speravamo di trovare un pubblico più ampio per la musica che volevamo fare e musicisti che ci aiutassero a realizzarla, e così è stato. Vivere negli Stati Uniti ha influenzato il nostro sound e la nostra storia in un modo che ci rende per sempre debitori di questo paese, anche se politicamente spesso sembra un disastro assoluto. Amiamo e siamo sempre ispirati dalle persone, dall’arte e dai vari ecosistemi magici che gli Stati Uniti promuovono, ma siamo anche molto disillusi e frustrati da alcuni degli ideali sociali radicati che governano la vita in questo paese, come individualismo e capitalismo.
Avete mai pensato di tornare in Francia in pianta stabile?
Sì, ci pensiamo spesso. Per ora ciò che facciamo sembra avere più domanda qui in Nord America, ma la Francia ci manca molto e siamo sempre felici di suonare a Parigi.
Vi sentite parte di una scena musicale o preferite vedervi come entità a sé?
Cerchiamo di essere il più originali e sinceri possibile, ma ci sentiamo parte di una scena in senso estetico, condividendo punti di contatto con molti contemporanei a Los Angeles e altrove. Nell’era di Internet, però, le scene non sono più legate a un luogo specifico, il che è fantastico.
Ma anche le scene locali hanno ancora la loro importanza, no? Voi stessi, probabilmente, senza il trasferimento negli Stati Uniti sareste una band diversa.
Assolutamente, saremmo probabilmente una band molto diversa se non avessimo vissuto a Gainesville e incontrato le persone che abbiamo incontrato. Dobbiamo molto a quella scena locale, sia esteticamente, nel senso che ci ha fatto conoscere tanta bella musica che non avevamo mai sentito prima, sia perché le persone più esperte ci hanno davvero insegnato ad essere una band, a organizzare tour fai da te e gestirli in modo efficiente, stampare il merchandising e, fondamentalmente, come adottare una sorta di etica indipendente che ci è servita da allora: ci ha davvero fornito il modello in molti modi. A Parigi non sarebbe mai potuto accadere.
Raccontateci qualcosa su Planet Pearl
La realizzazione dell’album è stata possibile soprattutto grazie al nostro nuovo accesso agli Stones Throw Studios e alla possibilità di registrare la maggior parte delle tracce ritmiche (batteria, basso, tastiere/chitarra) dal vivo, dunque insieme a una band in una stanza. Prima di questo disco, eravamo abituati a uno stile di produzione “da cameretta” in cui registravamo uno strumento alla volta e sovraincidevamo strato dopo strato a casa, con alcune eccezioni ovviamente, ma questo ha effettivamente fatto un’enorme differenza nel feeling della musica e nel modo in cui abbiamo scelto di arrangiare il tutto.
Quanto ha influito la collaborazione con Stones Throw sul vostro progetto?
La firma ci ha dato più visibilità a livello globale e ci ha permesso di fare tour in Europa e Asia. Non ha però cambiato la nostra estetica; l’evoluzione del nostro sound ha più a che fare con la nostra esposizione a diverse scene musicali a Los Angeles.
Ognuno dei vostri album è legato a una sorta di concept e a un’identità visiva piuttosto marcata. Quello su Planet Pearl si riferisce alla “prospettiva degli esploratori spaziali abbandonati sulla Terra”. In che modo il processo di scrittura e produzione è collegato al concept? È una fonte primaria di ispirazione o è una connessione che si crea man mano che i pezzi del puzzle prendono forma?
Sicuramente la seconda. Mentre procedevamo con i testi, abbiamo scoperto che la storia principale che volevamo raccontare, ovvero quella del nostro sradicamento autoinflitto e della conseguente confusione culturale che ne è conseguita, in realtà funzionava molto bene con la metafora aliena e quindi abbiamo deciso di farne il tema principale dell’album.
A mio parere, la vostra musica è uno dei migliori esempi di “dispositivi sonori” in grado di far riaffiorare falsi ricordi e ricordi di tempi mai vissuti. Il mondo che dipingete presenta una sorta di estetica da colonna sonora per diapositive o vecchi film VHS, con una forte componente sinestetica, e questa volta avete aggiunto anche il tema della “saudade”: che peso ha la nostalgia nel vostro processo creativo? C’è una parte della musica della vostra infanzia o adolescenza che portate consapevolmente in studio?
È stata molto centrale ultimamente, e ancora di più per questo album in particolare, che affronta con un tipo specifico di nostalgia di casa basata sul tempo. Ma soprattutto, è inevitabile quando la maggior parte delle nostre influenze musicali tendono a provenire dal secolo scorso. Rispondendo alla seconda domanda, certamente! Siamo cresciuti entrambi in famiglie molto musicali e siamo stati cresciuti con una musica che cerchiamo ancora di canalizzare oggi (i Beatles sono un buon esempio). In un senso più specifico dell’infanzia, il suono della prima musica per computer/videogiochi con cui ci siamo confrontati da bambini è stato estremamente fondamentale per noi e ha davvero una grossa impronta.
Trovo molto interessante che parliate del tema nostalgia con una certa serenità. Molti artisti, anche se contengono una forte e ovvia componente nostalgica nella loro musica, si rifiuterebbero di associare la loro arte a quel sentimento, quasi fosse uno stigma da evitare…
È interessante per noi perché parte della nostra musica preferita mai realizzata è firmata da persone o band loro stesse profondamente nostalgiche: Randy Newman, Brian Wilson o Paul McCartney sono ottimi esempi. Non è qualcosa da cui vorremmo mai dissociarci, perché è ciò che siamo. Una cosa che abbiamo capito fin dall’inizio è che atteggiarsi o cercare di presentarsi come qualcosa che non si è, sia per adattarsi a una moda passeggera o per qualsiasi altro motivo, non aiuterà mai un artista a raggiungere le persone. In un certo senso, il nostro consiglio agli artisti è di essere dei fenomeni.
Come sono cambiate le vostre vite personali dal primo album a oggi? Gli impegni sono sicuramente aumentati, così come immagino anche una certa “pressione”, i tour, le persone con cui avere a che fare, ecc. Avrete certamente molte soddisfazioni, ma non deve essere sempre tutto così bello e piacevole…
Cogli davvero un punto importante. Essere un musicista professionista e soprattutto un musicista in tour può essere estremamente impegnativo quanto gratificante, nel senso che spesso ha un impatto sul corpo e sulla mente, almeno per noi. Le persone possono avere questa idea sbagliata (come sicuramente avevamo noi prima di iniziare a suonare così tanti spettacoli) sul fatto che andare in tour sia un eterno venerdì sera, ma è sicuramente un duro lavoro e a volte può essere un po’ faticoso. Ecco perché apprezziamo ogni gesto di supporto dei nostri fan, e anche una semplice parola di incoraggiamento può finire per avere un grande impatto sul nostro spirito.
Con I Fell Into a Piano avete infranto la regola del “niente canzoni d’amore”. Riuscite a bilanciare facilmente la duplice relazione partner/compagni di band?
Il nostro stare lontani dalle canzoni d’amore era più un accordo informale/tacito che una regola ferrea, soprattutto perché volevamo evitare di essere eccessivamente sdolcinati, haha! Detto questo, avevamo diverse canzoni d’amore nei primi due album e abbiamo fatto una cover di Baby di Caetano Veloso in Flowerland. L’equilibrio è la vera chiave, ne siamo sempre alla ricerca, ma può essere delicato quando questi due tipi specifici di relazione (romantica e creativa) tendono a essere così intrecciati. Nel complesso sentiamo che è una cosa molto speciale poter essere in grado di creare e suonare musica insieme.
Da italiano e dunque da “vicino di casa”, viene spontaneo chiedervi se ci sono riferimenti italiani nel vostro bagaglio culturale e musicale
Amiamo l’Italia, ovviamente, e anche la vostra musica e il vostro cinema, all’incrocio dei quali ci sono le colonne sonore dei film. Adoriamo Nino Rota, Piero Umiliani e tanti altri. Siamo anche buoni amici con Gaetano della band napoletana Fitness Forever, con cui abbiamo collaborato in passato. Sono uno dei nostri gruppi preferiti in assoluto! Stanno per pubblicare un nuovo disco e non potremmo essere più emozionati.
In una recente intervista avete sottolineato come Pearl & The Oysters sia “una vacanza da tutto ciò che è accademico”. Quanto riuscite ad evadere dai vostri percorsi di studio, e cosa, invece, ritrovate di quegli anni scolastici?
Abbiamo studiato musica in modo approfondito e quell’istruzione formale non è necessariamente qualcosa da cui abbiamo mai cercato di sfuggire, poiché come Pearl & The Oysters abbiamo sempre cercato un tipo di pop sofisticato ispirato ai repertori classici e jazz che entrambi abbiamo studiato e amato. Forse intendevamo dire che la band è nata come reazione all’estetica dell’accademia e al tipo di serietà performativa che derivava dallo studio della musica in modo sistematico e scientifico. L’altra cosa è che l’approccio “tutto è concesso” dei primi due dischi in particolare, che si è trasformato in un contrappunto barocco con cose come surf rock e chiptune, è stato sicuramente una reazione ironica al disprezzo per la musica pop che tendevamo a incontrare al conservatorio. Ma in un certo senso, abbiamo sempre cercato di colmare quel divario culturale con la nostra band, e continueremo a provarci!
È davvero bello sentirvi parlare di questa ricerca costante di un pop sofisticato e di qualità. Cosa direbbero i vostri professori di Pearl & The Oysters? Avete avuto possibilità di confrontarvi con qualcuno di loro al riguardo?
Siamo rimasti in contatto con alcuni di loro, e spesso quelli più aperti e meno dogmatici apprezzano davvero la nostra musica! È probabile che alcuni di loro non approvino o non apprezzino particolarmente il tipo di direzione estetica che abbiamo intrapreso, ma per la maggior parte sono sicuro che siano orgogliosi del fatto che abbiamo assorbito alcuni dei loro insegnamenti e ne abbiamo fatto qualcosa di nostro.
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